:::: NAM JUNE PAIK ART :::: The First Stop on the Super Highway

+ 기간 : 2009년 3월 7일 (토) ~ 5월 31일 (일)
+ 장소 : 백남준아트센터 2층, 주변 일대

+ 참여작가 :

백남준, 데니스 오펜하임, 라 몬테 영, 코리 아칸젤, 로버트 브리어, 시징 멘, 타로 시노다, 산티아고 시에라, 플럭서스, 조지 브레히트, 장영혜 중공업 + 타쿠지 코고, 팩 슈엥추엔, 수 탐킨스, 로렌스 바이너, 아브라모비치/울라이, 김주현, 함진, 미에코 시오미

+ 책임큐레이터 : 토비아스 버거 Tobias Berger·백남준아트센터 학예연구실장
+ 오프닝 : 2009년 3월 7일 (토) 오후 5시
※ 오프닝 당일 무료버스 운행 :
※ 오후 4시 한남동 단국대 건너편에서 무료버스 대기 예정
※ 예약 필수 reservation@njpartcenter.kr
+ 오프닝 퍼포먼스 : 2009년 3월 7일 (토) 오후 6시
※ 피아노 · 정선인, 사운드 퍼포먼스 · 진상태, 최준용, 홍철기

+ 도슨트 프로그램 : 전시기간 중 매일 오후 2시, 4시
주말 오후 1시, 2시, 4시

2008년 10월 8일 개관한 백남준아트센터가 1960년대 이후부터 현재에 이르는 백남준의 유산을 비판적이고 새로운 시각에서 다룬 개관 페스티벌 ‘나우 점프 NOW JUMP’를 마치고 새로운 기획전 ’수퍼 하이웨이 첫 휴게소 The First Stop on the Super Highway'를 개최한다.
2009년 3월 7일 오후 5시에 있을 이 전시의 오프닝 행사에는 존 케이지, 라 몬테 영 등 60년대 플럭서스 음악가들의 스코어를 연주하는 정선인 오프닝 공연과, 사운드의 극단적 실험을 감행하는 사운드 퍼포머 진상태, 최준용, 홍철기의 사운드 퍼포먼스가 함께 펼쳐진다.

이 전시의 타이틀은 백남준의 세기적 아이디어인 ‘초고속 정보 통신망 Information super highway’에서 차용한 것으로, ‘수퍼 하이웨이’는 서로 다른 공간과 시간을 잇는 축을 의미하는 동시에 백남준아트센터 앞에 놓인 여정을 암시한다. 미래를 향해 나아가는 ‘수퍼 하이웨이’에서 잠시 멈춰 백남준 예술세계에 반영된 ‘속도’의 의미와 예술적 실험의 ‘극단’을 조망하는 이 전시는 2008년 9월 국내 최초로 공공 미술관 외국인 학예연구실장으로 영입된 토비아스 버거 Tobias Berger가 기획했다.

차들이 계속해서 달려가고 있는 동안 고속도로에 홀로 멈추어 섰을 때의 기분을 기억하는가? 빠르게 돌아가는 온 세상의 속도에 대비되는 정적인 느낌….

‘수퍼 하이웨이 첫 휴게소’는 예술에서 시도되었던 ‘극단 extreme’의 표현 및 실험을 살펴보는 기획전이다. 백남준 비디오 작품 중 가장 단순한 행위를 느리게 표현한 < 버튼 해프닝 > 과 뮤직비디오처럼 빠르게 편집한 < 레이크 플레이시드 ‘80 > , 두 작품을 통해 백남준 예술세계에 함축되어 있는 ‘속도’의 개념에 대해 질문을 던지며 시작하는 이 전시는, 백남준과 같은 주제를 다루면서도 이를 전혀 다른 방법으로 해석하는 작품들의 대결을 꾀한다.

특히, 라 몬테 영의 악보(스코어), 플럭서스 멤버들이 함께 만들었던 < 플럭스 필름 > , 로버트 브리어의 ‘극단’적인 실험영화, 조지 브레히트의 오브제 등 60년대 백남준과 함께 어떤 금기와 제도에도 얽매이지 않고 무한대의 예술실험에 동참했던 플럭서스 작가들의 작품이 함께 병치된다.

이 전시에서는 대지예술, 설치예술 등 크기의 ‘극단’의 개념을 가장 적극적으로 다루었던 60년대 예술계의 움직임에 깊은 관심을 불러온 데니스 오펜하임의 작품 < 콘 > 이 백남준아트센터 전경에 설치될 예정이다. 오펜하임의 < 콘 > 은 일상의 오브제인 거리의 주황색 바리케이드의 크기를 ‘극단’적으로 과장하여 거리의 풍경을 바꾸고자 하는 작가의 의도를 보여준다.

이 전시에 참여한 작품들은 특히 점과 선 - 정지, 그리고 전진 Stop and Go - 이 상징적으로 연상되는 특징을 지니고 있는데, 특히 라 몬테 영이 1962년에 만든 이벤트 스코어 < 밥 모리스를 위한 컴퍼지션 #15 > , 산티아고 시에라의 < 에스파시오 이글루티나도르 하바나에서 고용한 여섯 사람의 8피트 길이의 문신 > , 그리고 타로 시노다의 거대한 기계장치가 만들어내는 단순한 붉은 선들이 그러하다. 홍콩 작가 팩 슈엥 츄엔은 35㎜ 필름 프레임의 모든 라인을 잘라내어 새로운 필름을 편집하며, 로렌스 바이너는 바닥에 40파운드 무게로 2분 동안 흰색 액체를 스프레이로 뿌림으로써 ‘점’을 만들어낸다. 아브로마비치/울라이는 몇 시간 동안 원을 그리며 운전을 하고, 로버트 브리어는 초기 실험영화에서 스프레이 페인트 라인과 점을 사용하며, 조지 브레히트의 이벤트 스코어는 항상 검은 원과 함께 시작된다. 백남준의 비디오 < 레이크 플레이시드 ‘80 > 에서 가속도가 붙은 “더 높이, 더 빨리, 더 강하게”라는 슬로건은 시징 멘의 <2008 베이징 올림픽 게임>이라는 작품에서 좀더 인간적이고 유머러스한 방식으로 재해석된다.

’초고속 정보 통신망‘ 에 잠재된 엄청난 속도와 힘을 예견했던 백남준의 정신적 유산을 계승하고자 하는 백남준아트센터의 첫 기획전 ’수퍼하이웨이 첫 휴게소'는 현재와 미래의 예술에 대해 조망하는 망루에 위치한 첫 번째 휴게소가 될 것이다. 정지, 그리고 전진.

Dennis Oppenheim, < Cones >, 2006

백남준아트센터는 서울 외곽 용인에 위치하고 있으며 경기도와 경기문화재단이 설립하고 지원하는 기관이다. 백남준아트센터는 2001년부터 백남준과 함께 의논하며 건립 과정을 진행해 왔고, 2008년 페스티벌 ‘나우 점프’를 시작으로 개관했다. 예술과 철학, 그리고 삶의 관계에 질문을 던지고 재정의 함으로써 미학과 정치적이고 사회적인 잠재력의 근원지로서 20세기와 동시대 예술의 실험정신을 개진하는 공간을 지향한다.

이번 전시를 기획한 토비아스 버거 Tobias Berger는 국제적인 인력 확보를 위해 백남준아트센터가 작년 9월 1일 학예연구실장으로 영입한 독일 출신의 국제적인 큐레이터다. 공공 미술기관에서 학예연구실장으로 외국인을 영입한 것은 한국 최초의 일이다. 토비아스 버거는 독일 보훔 소재 루르 대학에서 예술사와 경제학을 전공하였고, 암스테르담 드 아펠 큐레이터 양성 프로그램 과정을 수료하였으며, 2002년 리투아니아 발틱 국제 미술 트리엔날레 예술감독, 뉴질랜드 오클랜드 소재 아트스페이스 디렉터, 홍콩의 파라/사이트 Para/site 디렉터로 일한 바 있다. 또한 2005년 광저우 트리엔날레, 2006 부산 비엔날레 전시기획에 참여하는 등 아시아 작가와 미술에 지대한 관심을 가지고 있다.

+ 수퍼 하이웨이 첫 휴게소
주요 작가 및 작품

1. 백남준 Nam June Paik USA/Korea :1932, Seoul (Korea) - 2006, Miami (Florida, USA) < 버튼 해프닝 Button Happening>, 1965, Video, 2min, b&w, silent
	현존하는 백남준 최초의 비디오 작품이라 추정된다. 1965년 그가 최초의 소니 포타팩을 손에 넣은 어느 날 기록한 이 작품은 최근 재발견되어 복원되었다. 하나의 퍼포먼스를 기록한 이 작품에서 백남준은 그의 재킷 단추를 잠갔다 풀었다 하는 동작을 반복한다. 이 독창적인 작품 안에는 플럭서스 유머 정신이 깔려있다.
< 레이크 플레이시드 ‘80 ’80 Lake Placid ’80>, 1980, Video, 3min 49sec, color, sound
	백남준은 1980년 동계올림픽 국립예술위원회의 커미션을 받아 화려하고 빠른 속도의 콜라주를 만들었다. 여러 단위로 나누어진 동작과 액션의 혼합 속에서 올림픽 스포츠 경기의 이미지들은 백남준의 순환하는 시각적 청각적 모티브와 혼재하고, ‘글로벌 그루브’ 속의 댄서들, 알랜 긴스버그, 스키 점퍼, ‘파란 드레스를 입은 악마 Devil With a Blue Dress On’ 라는 노래, 스케이트 선수들, 그리고 하키 선수들이 재편집되며 파편처럼 조각난다. 흡사 ‘뮤직비디오’ 같이 에너지가 넘치는 이 작품의 과장된 보폭과 리듬은 올림픽 로고의 그래픽 버전 위에 노래하는 알랜 긴스버그가 이중노출되는 장면으로 끝을 맺는다.

2. 데니스 오펜하임 Dennis Oppenheim USA : 1938, Electric City (Washington, USA) - < 콘 Cones>, 2006, Installation, Plexiglas
	데니스 오펜하임은 60년대 후반 랜드아트와 바디아트에 대한 관심에서 시작하여 7,80년대 거대한 기계와 같은 설치작업으로 이동하였다. 동시에 이 미국작가는 거대한 공공조각에 집중하였는데, 특히 < 콘 >은 일상 오브제의 변형을 통해 풍경을 바꾸고자 하는 작가의 의도를 보여주는 대표적인 예다. 이 작품을 통해 오펜하임은 거리의 오렌지 색 콘으로 거리를 표시하려는 아이디어를 축소시켜 그 균형감각을 날려버리거나 혹은 이 단순한 아이디어를 과장하여 거리에 세우는 것만으로 아주 위험한 바리케이드가 되도록 만든다.

3. 라 몬테 영 La Monte Young USA : 1935, Bern (Idaho, USA) - < 밥 모리스를 위한 작곡 #15 Composition Nr.15 for Bob Morris>, 1962, Score
	60년대의 가장 영향력 있는 악보(스코어) 중 하나인 이 작품은 시간에 관한 많은 퍼포먼스의 근본적인 개념이자 다양한 플럭서스 박스와 앤솔로지로 나오는 “직선을 그려라. 그리고 그것을 따라가라”라는 밥 모리스의 심플한 문구를 위한 것이다. 그의 시대에 가장 ‘미니멀’한 음악가 중 하나였던 라 몬테 영은 테리 라일리와 스티브 라이히, 그리고 필립 글래스 등 많은 음악가들에게 영향을 미쳤지만, 그 자신은 살아있는 동안 작품의 녹음을 거부함으로써 그의 동료들이 얻었던 명성을 얻지 못했다.

4. 코리 아칸젤 Cory Arcangel USA : 1978, Buffalo (New York, USA) - < 비디오 페인팅 Video Painting>, 2008, Video installation
	코리 아칸젤은 로우 테크로 하이테크를 파괴하는 방식을 즐겨한다. 백남준이 발명한 이래로 유명해진 비디오 신디사이저들과 이미지 조작기계를 아칸젤은 매우 다른 방식으로 이용하는데, 이 프로그램은 새로운 필름인 ‘비디오페인팅’을 생산한다. VHS 테입을 3-D로 혹은 ‘파이널 컷 프로’로 전환하는 방식과 같은 낡은 것과 새로운 테크놀로지의 콤비네이션은 독특한 비디오 테입의 제작을 위해 이용된다. 각기 다른 방법들은 낡은 비디오 포맷에 아이러니한 변화를 부여하여 영원성을 부여받고 상영되며 이것은 뉴 테크놀로지의 빠른 변화에 대한 찬양과 동시에 비판적 분석을 가한다.

5. 로버트 브리어 Robert Breer USA :1926, Detroit (Michigan, USA) < 주먹 싸움 Fist Fight>, 1964, 16㎜ film, 9min <69 69>, 1969, 16㎜ film, 5min <70 70>, 1970, 16㎜ film, 5min
	로버트 브리어는 독립영화의 개척자 중 한 명이다. 그의 작품 < 주먹 싸움 >은 1964년 스톡하우젠의 오리기날레에서 상영되었는데 미국에 처음으로 소개되는 자리였다. 또한 백남준은 그의 작품 이미지 일부를 ‘글로벌 그루브’에 사용하였다. 브리어가 필름을 사용하는 방식은 매우 혁신적이었는데, 70년대에는 필름에 스프레이 페인트를 사용하였고 필름상의 컷을 아예 배제시키는 실험을 개진하였다.

6. 시징 멘 Xijing Men - 김홍석 Gimhongsok : 1964, Seoul (Korea) - - 츠요시 오자와 Tsuyoshi Ozawa : 1965, Tokyo (Japan) - - 첸 샤오지옹 Chen Shaoxiong :1962, Shantou (Guangdong, PR China) – < PR 중국 베이징 올림픽 PR China Beijing Olympics >, 2008, Installation
	시징 멘을 구성하는 한국, 일본, 중국인 세 아티스트는 베이징 올림픽과 동시에 자신들만의 대회를 열기 위해 베이징에 갔다. 유머러스하고 단순한 아티스트들은 올림픽의 과장된 미학과 낯선 대조를 이루는 그들만의 이벤트를 매일 개최했다. 외관상 세 아티스트의 위대한 우정은 올림픽 정신을 이기고도 남아 보인다.

7. 타로 시노다 Taro Shinoda Japan : 1964, Tokyo (Japan) - < 신의 손 God Hand>, 2002, Installation
	타로 시노다의 이 작품은 제트 엔진에 의해 돌아가는 거대한 기계이다. 아주 강력하고 극도의 관심과 보호를 요하는 이 기계의 유일한 목적은 공간에 심플한 붉은 선을 만드는 것이다. 시노다의 작품은 종종 극한의 기계공학과 단순하게 창조된 숭고미 사이를 오간다.

8. 산티아고 시에라 Santiago Sierra 1Spain : 1966, Madrid (Spain) - < 에스파시오 아글루티나도르 하바나에서 고용한 여섯 사람의 8피트 길이의 문신 8 Foot Line Tattooed on Six Remunerated People Espacio Aglutinador Havana >, 1999, Video installation
	산티아고 시에라의 < 에스파시오 아글루티나도르 하바나에서 고용한 여섯 사람의 8피트 길이의 문신 >은 지난 10년간 가장 논쟁적인 작품 중 하나였다. 작가는 하바나에 있는 여섯 명의 사람들에게 30달러를 지불하고 그들의 등에 문신을 하도록 하는데, 이것은 제3세계 사람들이 아주 적은 돈에 자신의 건강을 희생할 준비가 되어 있다는 것을 넌지시 암시한다. 또한 글로벌 월드, 특히 미국의 엠바고 아래 있는 나라 쿠바의 아주 다른 노임과 통화 단위에 대한 힌트를 제공한다. 작품은 문신의 다양한 사회적 개념에 대해서도 암시하는데, 문신은 아시아에서 조직 폭력배를 상징하는 반면, 서양에서는 패션이자 태평양제도에서는 ‘계급’을 나타낸다.

9. 플럭서스 Fluxus < 플럭스 필름 Flux films>, 1964~9, 16㎜ films
	1964년 플럭서스의 ‘수장’인 조지 마치우나스는 플럭스 필름의 컬렉션을 위해 작은 필름들을 제작할 것을 플럭서스 아티스트들에게 요청, 45개의 필름이 제작된다. 16㎜ 필름으로 제작된 백남준의 독창적인 ‘필름을 위한 선’을 시작으로 마치우나스, 시에코 시오미, 로버트 왓츠, 폴 샤리츠, 요코 오노, 존 칼, 조 존스, 조지 브레히트, 그리고 볼프 포스텔의 20분짜리 리더가 완성되었다. 앤디 워홀의 1962년 필름과 함께 이 작품들은 초기 아방가르드 시네마 작품으로서, 그리고 독특한 미디어로 플럭서스 아이디어를 사용한 좋은 예가 되고 있다.

10. 조지 브레히트 George Brecht USA : 1926, New York (USA) – 2008, Cologne (Germany) < 보이드 VOID>, 1982, Objects
	조지 브레히트는 이벤트 스코어를 발명한 가장 영향력 있는 플럭서스 예술가 중 한 명이다. 그의 ‘체어 이벤트’와 다른 미니멀 조각들과 함께 그는 일상의 움직임 혹은 오브제를 예술세계로 편입시켰다. 그의 90개가 넘는 각기 다른 스코어 카드를 포함하고 있는 스코어 모음집은 ‘워터 얌’이라 불리고 있다.

11. 장영혜 중공업 + 타쿠지 코고 Young-Hae Chang Heavy Industries + Takuji Kogo - 마크 보주 Marc Voge, USA - 장영혜 Young-Hae Chang, Korea - 타쿠지 코고 Takuji Kogo, Japan Video installation
	장영혜 중공업이 운영하는 www.yhchang.com에서는 14개의 언어로 된 작업을 볼 수 있다. 장영혜 중공업은 2008년 뉴욕 뉴 뮤지움에서 개인전을 가졌으며 이 전시는 아테네 국립현대박물관(EMST)에서 2009년 3월까지 전시되었다. 타쿠지 코고(1965년, 일본)는 Candy Factory Project를 조직하였으며 최근엔 2007년 일본 기타큐슈에서 열리는 기타큐슈 비엔날레의 감독으로 활동하고 있다. Candy Factory Project는 국제공동예술 프로젝트로써, 아티스트 북, 오디오 작업들과 웹을 기반으로 하는 예술작업들을 기획하며 1998년부터 여러 지역에서 독특한 큐레이팅 작업을 진행하고 있다. 최근 큐레이팅 작업으로는 07년 기타큐슈 비엔날레와 부기우기 원더랜드 (AIAV, Yamaguchi Japan, 2003), 스크림(FARGFABRIKEN, 스톡홀름, 스웨덴, 2004)Hyper Links for dead link (히로시마시 현대 미술관, 2006) 그리고 2006년부터 시작된 artonline.jp 등이 있다.

12. 팩 슈엥추엔 Pak Sheung Chuen Hong Kong : 1977, Fukien (China) - < 필름 2008 Film 2008 >, 35㎜ film installation
	팩의 35 ㎜ 필름은 1초에 24컷을 돌리는 일반 필름에서 관객이 놓치고 갈 수밖에 없는 사물과 공간을 가시화한다. 일반 필름의 한 컷 한 컷 사이에 존재하는 라인들을 연결함으로써 볼 수 없는 것들을 가시화하는 아이디어를 주제로 유희를 펼친다.

13. 수 탐킨스 Sue Tompkins UK : 1971, Leighton Buzzard (UK) - < 무제 Untitled >, 2008, Drawings
	수 탐킨스는 대화와 텍스트에 사용되는 단어들을 가지고 작업한다. 그 중에서도 메모한 단어들이 주를 이룬다. 그녀는 오랜 시간 동안 축적되어 온 많은 양의 노트를 취합하여 편집하고 다듬어 비연속적이면서도 간결한 텍스트를 창조해낸다. 반복되는 단어들을 조합한 이 텍스트들을 통하여 작가는 읽는 이의 상상력, 감성과 아이디어를 자극하길 원한다. 이러한 비연속적 조각들은 전시장 벽에 적혀 있거나, 혹은 내레이션 퍼포먼스를 통해 관객들에게 공개된다. 그의 작품 속의 리듬이나 스타일은 밴드에서 활동했던 작가의 경험을 드러내고 최면의 힘을 보여준다. ‘컨트리 그래머 2003, 2004, 2005’와 같은 그녀의 퍼포먼스 작품들에서 작가는 300페이지에 달하는 양의 노트 – 그 중 어떤 페이지는 페이지당 한 단어를, 다른 페이지는 여러 단어들을 담고 있기도 하다 – 를 읽어 내려간다.

14. 로렌스 바이너 Lawrence Weiner USA : 1942, New York (USA) - < 일반 스프레이 캔으로 바닥에 그린 2분짜리 스프레이 페인팅 Two Minutes of Spray Paint upon the Floor from a Standard Aerosol Spray Can >, 1968, Installation <절대적 중심에의 열망 Aspiring to Dead Center>, 2008, Drawing
	로렌스 바이너의 초기작 중 하나인 <일반 스프레이 캔으로 바닥에 그린 2분짜리 스프레이 페인팅>은 미니멀한 조각품인 동시에 퍼포먼스 작품이기도 하다. 이는 처음에는 그저 설명문으로 존재하다가 이후 바닥에 직접 재현된 작품으로, ‘예술작품’ 특히 조각에 대한 고정 관념에 대한 질문을 던진다. 이 작품이 제작되었던 해에 바이너는 다음과 같이 선언한다. (1) 작가는 작품을 건설한다. (2) 작품은 제작된다. (3) 작품은 지어지지 않는다.

15. 아브라모비치/울라이 Abramović/Ulay Netherlands 마리아 아브라모비치 Marina Abramović : 1946, Belgrade (Yugoslavia) - 울라이 Ulay (Uwe Laysiepen) : 1943, Solingen (Germany) - < 이동하는 관계 Relation in Movement>, 1977, Video Installation, 35min 21sec, b/w, silent
	아브라모비치와 울라이의 다른 작품들과 마찬가지로 < 이동하는 관계 >는 일종의 도전이라 할 수 있다. 다만, 이전의 다른 퍼포먼스들이 고통을 다루었다면 이번 작품은 끊임없는 힘에 대해서 이야기하고 있다. 이번 작품에서 울라이와 아브라모비치는 파리의 한 광장 안을 원을 그리면서 운전한다. 울라이가 차를 모는 동안, 열린 차창 밖으로는 아브라모비치가 메가폰을 들고 회전 수를 소리친다(이 소리는 비디오에서 들을 수 없다). 차는 계속해서 달린다. 밤이 어두워지면 밴의 헤드라이트에서 나오는 불빛이 그리는 원만이 보이게 되고, 해가 뜨면 차의 타이어가 그리는 검은색 원이 남는다. 이 원은 우리가 타인과 맺는 관계 속에서 서로의 주변을 맴돌며 그리는 원이나, 머리 속에서 맴도는 생각의 싸이클을 상징한다. 울라이와 아브라모비치의 다른 퍼포먼스들과는 대조적으로 이번 작품 속에는 이들의 퍼포먼스의 관람자(증인)가 등장하지 않고, 오직 카메라와 행인만이 나타날 뿐이다.

16. 김주현 Joohyun Kim Korea < 다리, 아홉 개의 기둥 The Web of life >, 2003, Installation
	김주현은 프리쵸프 카프라의 책 제목인 < 생명의 그물 The Web of Life >에서 모티브를 얻어 환경과 생명, 혹은 기관과 개체, 종과 환경을 포함한 여러 요소들간의 지속적인 상호작용과 관계를 건축적으로 표현하고 있으며, 이 시리즈의 작품들을 ‘생명의 그물’이라 이름 붙이고 있다. 이 전시에서 선보이는 은 이 시리즈 작품들 중 하나이다. 서로 연관되어 그물망처럼 만들어진 이 다리의 건축적인 구조는 단위 물질들의 관계와 연결의 복잡하면서도 기하학적인 아름다움을 보여준다.

17. 함진 Jin Ham Korea < 작품 Work >, 2009, Installation, Photographs
	함진은 일상의 환경에서 발견할 수 있는 잔해들로 아주 작은 조각을 만들어 아주 작은 전시 공간에 그들을 배치하고 사진을 찍는다. 그 사진들 속에서는 이 작은 미니어처들이 아주 큰 사이즈의 조각들처럼 보이도록 제시한다. 그는 최근 그의 집에서 발견한 ‘먼지’들로 작품을 만드는데, 이 먼지들은 다양한 옷과 양말 등에서 분화된 머리카락, 솜털 부스러기를 포함한 일상생활에서 발견되는 모든 미세한 ‘조각과 파편들’이다. 작가는 이러한 물질들을 배치하고 사진으로 찍어 ‘거대한 크기의 모뉴멘트’로 전환시킨다. 그 사진들은 조각을 볼 때의 관객의 시점으로 찍힌다. 먼지와 더불어 함진은 기존 조각들이 절대 사용하지 않았던 다양한 물질들, 일상의 재료들로 새로운 조각을 만들어내는데, 그의 이런 방식은 모뉴멘트 조각에 대한 냉소적인 질문을 던진다.

18. 미에코 시오미 Mieko Shiomi Japan < 공간 시 No. 1 Spatial Poem No. 1>, Objects < 공간 시 No. 2 Spatial Poem No. 2>, Objects
	미에코 시오미는 1960년 타케히사 코수기와 함께 온가쿠(음악)이라는 그룹을 만들어 즉흥음악과 액션을 포함한 음악적 실험을 확장시키기 시작했다. 1965년 시오미는 전세계의 예술가들을 초대한 자리에서 아홉 개의 이벤트 시리즈로 만들어진 ‘공간 시 spatial poem’를 생산하기 위한 무대로 지구를 설정한다. 예를 들어 ‘공간 시 No. 1 (1965) 워드 이벤트‘는 아래의 초대 문구를 구성한다. “단어를 써라. 혹은 단어가 밀봉된 카드를 어딘가에 두어라. 그 단어를 나에게 말하라. 그리고 그것을 세계 지도 위에 놓아라.”